Apprendre à jouer de la batterie de manière efficace

Comment ne plus planter vos Concerts (Article invité de Laurent)

 

Bonjour à toutes et à tous !

Aujourd’hui je vous présente un article que Laurent VEYRAT auteur du blog « Batteur Extrème » a eu la gentillesse de me proposer. Quand je l’ai lu, il m’a semblé très intéressant de vous le faire partager. 

Cele nous est  arrivé à tous à un moment ou à un autre de nous louper une partie d’un concert, voici donc l’analyse de Laurent.

Bonne lecture !!! 😉

 

Christophe #FSB                                     

 

 

Comment ne plus planter vos concerts ? la solution…

 

Quand on est batteur et plus généralement musicien, on est souvent amené à faire des concerts et à jouer devant un public. Les gens, les lumières, le son, tout est différent de l’endroit où l’on a l’habitude de jouer. 

Ça peut entrainer beaucoup de stress et vous faire perdre les moyens en plein concert, ça vous est sans doute déjà arrivé ? et je sais par expérience que c’est très déstabilisant et très frustrant de partir d’un concert en ayant l’impression de l’avoir raté. 

Dans cet article je vous propose d’identifier les causes qui pourraient être à la source de votre concert raté et ensuite je vous proposerais des solutions pour y remédier efficacement et durablement. 

Les causes :

Manque de préparation : 

Vous manquez de temps :

Comme le bac ou tout autre examen, un concert doit être préparé plusieurs jours, plusieurs semaines voire plusieurs mois à l’avance. C’est pourquoi vous devez intégrer la préparation du concert dans votre planning hebdomadaire. 

Malheureusement le temps est une ressource limitée et certains d’entre nous ont des semaines très chargées. Le temps passe jusqu’au jour J et c’est là que vous remarquez que vous n’avez pas assez répété ! Aie 

Vous n’avez pas envie de répéter :

Le concert vous procure sans doute de la joie mais lorsqu’il s’agit de s’entrainer sur le morceau alors ça devient plus compliqué ! je vous comprends on a tous tendance à faire uniquement les choses qu’on aime. Cependant si vous voulez faire un bon concert alors il vous faudra répéter de nombreuses fois.

Le morceau de musique est trop dur à jouer :

Parfois on veut se tester en essayant de jouer un morceau plus compliqué que d’habitude. Le risque ? abandonner.

En effet si la musique est trop rapide ou si les breaks sont trop complexes pour votre niveau actuel alors vous aurez probablement du mal à le jouer correctement. La solution ? changez de morceau.

Vous négligez les parties complexes :

Quand on essaye plusieurs fois un passage qui ne passe pas on devient négatif et on a tendance à délaisser cette partie. Le jour du concert la partie difficile sera toujours autant difficile et ça ne passera pas, comme pendant les répétitions :/

Vous ne travaillez pas avec le métronome :

Vous jouez peut-être votre morceau en entier mais à chaque fois vous sentez que vous êtes décalé… avez-vous pensé au métronome ?

Vous n’écoutez pas la musique ou les autres musiciens :

Vous n’êtes centré que sur vous et vous oubliez d’écouter la musique. Il y a alors de grande chance pour qu’un décalage se crée tant au niveau du tempo qu’au niveau volume sonore. 

Changez de point de vue : adaptez-vous à la musique plutôt qu’attendre que la musique s’adapte à vous !

Volonté d’être parfait :

Vous ne vous sentez pas à la hauteur :

Parfois il est difficile d’assurer un concert quand on a cette petite voix dans sa tête qui nous dit « tu ne vas pas y arriver » « tu t’es foiré la dernière fois en répétition alors tu vas te foirer encore ici aujourd’hui ». 

On a tous au moins une fois eu ce genre de pensé, c’est un trait humain ; malheureusement ça peut vous faire perdre les moyens en plein concert et tout gâcher.

Vous voulez à tout prix respecter la partition :

C’était un de mes plus grand problème quand je jouais avec mon orchestre. J’avais de grosse responsabilité car je devais avoir un tempo stable, je voulais assurer. Je suivais donc à la note près tout ce qui était écrit sur la partition. 

Le risque quand on fait ça c’est d’être uniquement focalisé sur ce qui est marqué et d’oublier tout le reste (les musiciens, le chef d’orchestre, voire la musique en elle-même) et de continuer à jouer tout seul. Ça m’est arrivé plusieurs fois de continuer à jouer alors que le chef d’orchestre avait stoppé la musique ; s’en suit un grand moment de solitude :’(

Vous voulez montrer au public que vous êtes un bon batteur :

Ça part d’une bonne intention, en effet vous voulez donner le meilleur de vous-même afin d’être perçu comme un bon batteur. Cependant ça peut devenir dangereux quand ça tourne à l’obsession, lorsque vous ne jouez QUE pour montrer au public vos talents. Vous en ferez trop et ça deviendra agressif pour le public.

Vous n’acceptez pas de commettre des erreurs :

La moindre erreur pendant votre concert vous frustre ? vous ne pensez qu’à ça tout le reste de la musique et du coup vous jouez avec moins d’enthousiasme ? 

Une seule petite erreur peut venir ruiner toute la préparation réalisée en amont et anéantir votre concert, c’est dommage quand même non ?

Vous anticipez la mesure d’après : 

Vous n’êtes pas dans le moment présent :

En tant que batteur on vous a surement appris à anticiper la mesure suivante pour ainsi éviter d’arriver paralysé sur la mesure suivante. Le problème c’est que vous concentrez toute votre énergie mentale sur la mesure d’après et vous négligez ce que vous êtes entrain de jouer en ce moment.

Vous avez peur d’oublier ce qu’il y a à jouer à la mesure d’après :

La peur d’oublier ce qu’il y a à jouer après vient probablement d’une volonté de tout contrôler. Là encore le risque c’est de vous faire envahir par cette peur et d’être déstabilisé sur ce que vous jouez en ce moment.

L’environnement qui change :

Quand vous montez sur scène tout change comparé à votre petite salle de répétition. Si vous n’avez pas l’habitude de ces changements ça peut être perturbant et vous faire perdre vos moyens. 

Voici les 4 choses qui changent sur scène :

  • L’espace
  • Le son
  • Les lumières
  • Le stress

Pour en savoir plus consultez mon article : « les 4 différences entre salle de répét et salle de concert »

 

Comment remédier à ça ?

Répétez encore et encore 

 

Travaillez avec le métronome pour la stabilité :

Pour assurer votre concert vous devez maitriser la stabilité du tempo, tout repose sur ça! Pour y arriver il faut donc répéter avec le métronome en vue 😉

Repérez les passages difficiles, travaillez-les ou simplifiez-les :

Dans tout morceau de musique il y a des passages plus compliqués que d’autres. Vous avez 2 choix selon l’envie et le temps dont vous disposez :

  1. Travailler les passages compliqués : avec le métronome, en ralentissant le tempo, en coupant la mesure pour travailler chaque partie…
  2. Simplifier les passages compliqués : enlever les crashs, garder uniquement le premier coup du double coup grosse caisse, changer un sextolet en 4 doubles croches…

Ne vous arrêtez pas à chaque erreur :

Quand vous répétez un morceau il vous est certainement déjà arrivé de vous arrêter en plein milieu et de vous dire : « merde faut que je recommence tout depuis le début ». Avec cette approche vous bloquerez toujours au même endroit sans jamais pouvoir passer à la mesure d’après

Le fait de recommencer à chaque fois toute la musique vous fait perdre un temps considérable et malheureusement vous ne progressez pas (ou très peu en tout cas).

L’astuce est de travailler la partie où vous peinez avec le métronome ou en la simplifiant. Si aucune de ces solutions ne vous convient vous pouvez toujours vous laissez « foirer » la mesure difficile et reprendre normalement juste après. L’intérêt de cette approche est de jouer toute la musique sans interruption. 

En concert vous ne pourrez pas revenir en arrière ou stopper la musique et dire : « attendez, attendez je me suis trompé, on recommence », même si c’est très tentant 😉

Evitez de répéter le jour même : 

Ça va vous faire angoisser :

Vous voulez sans doute perfectionner un break ou avoir un tempo plus stable, mais est-ce le bon moment pour travailler ça ? il fallait y penser avant le jour J non…

En effet le jour du concert est un jour particulier et soumis à un stress élevé. Evitez donc de vous mettre encore plus de stress en essayant de rattraper les répétitions annulées ou ratées.

Vous aurez encore plus de pression si vous répétez le jour même et que ça passe pas !

Détendez-vous avant le concert :

Pour accéder à toutes vos capacités intellectuelles (oui le batteur réfléchit parfois !), émotionnelles et physiques il faut aborder le concert en toute sérénité.

Pour vous détendre vous pouvez :

  • Vous faire masser
  • Prendre un cocktail (mais pas trop !)
  • Faire du sport
  • Regarder un film

Bref plusieurs heures avant le concert prenez du temps pour vous avec une activité qui vous fait plaisir.

Arrêtez de vouloir jouer mieux :

Vous ne pouvez pas augmenter votre niveau selon votre envie :

Le niveau que vous avez à ce moment-là est fixe, vous ne pouvez pas le dépasser par la simple volonté, alors acceptez-le et faites de votre mieux.

Si vous êtes débutant ça peut être frustrant de jouer un concert en ayant un tempo instable ou en jouant de façon monotone. Cependant c’est votre niveau actuel et vous devez faire avec, vous verrez qu’à la fin du concert votre niveau aura sans doute augmenté naturellement du fait simplement d’avoir joué le concert.

Cessez de vous comparer :

En voulant jouer comme tel ou tel batteur vous vous conduisez tout droit à la frustration. Le batteur en question a certainement des qualités que vous appréciez et que vous souhaitez avoir. 

Mais n’oubliez pas que vous aussi vous avez des qualités que lui n’a peut-être pas. Misez tout sur vos qualités et jouez selon votre propre style.

Acceptez vos erreurs :

Tous les batteurs font des erreurs, même les plus grands. Je dirais même que ce sont les plus connus qui font le plus d’erreurs. 

A chaque erreur tirez-en une leçon pour ne plus la reproduire. C’est comme ça que vous vous améliorerez et que vous jouerez des concerts de dingues 😊

Profitez du moment présent : 

Ne pensez pas à la dernière mesure du morceau :

Quand je jouais avec mon orchestre ou avec mon groupe j’avais une forte tendance à me demander comment j’allais terminer le morceau alors que la musique n’avait pas encore commencé. Le problème c’est que pendant tout le long du morceau il y avait cette tension intérieure qui m’empêchais de jouer comme je le voulais vraiment. A la fin du morceau j’étais soulagé et je me disais : « ah enfin, ça va c’était pas si mal ! »

Concentrez-vous sur la musique, sur les autres musiciens présents et tout ira bien. 

Utilisez la visualisation :

Imaginez-vous entrain de jouer sur scène comme vous le voudriez :

Votre pensée crée votre réalité. Avant de monter sur scène prenez un moment pour calmer votre esprit et pensez à comment se déroulerait votre concert « parfait »…

Voilà comment se déroulerait mon concert « parfait » : 

Je monte sur scène, le public m’applaudit, j’ai une énergie de dingue et mon enthousiasme est au plus haut. Je joue du Offspring, je m’amuse, je sue, j’improvise les breaks et je jongle avec mes baguettes. A la fin je lance mes baguettes au public et je me jette dans la foule 😉

Votre concert ne sera pas exactement comme vous l’auriez imaginé mais vous monterez sur scène avec plus d’assurance et donc plus de chance de le réussir.

Pensez à la joie ressentie du public et aux applaudissements à la fin :

Vous jouez en concert pour vous mais aussi pour votre public. Vous voulez que votre public profite à max alors donnez-vous à max. Le public vous remerciera d’autant plus qu’il aura apprécié.

Qu’est-ce qui est le plus difficile pour vous quand vous jouez des concerts ?

 

Photos dans lordre : photo temps (geralt) photo concert (StockSnap) ; photo partition (ErikMi) ; photo détente (jill111) ; 

« La Nuance » un outil indispensable pour le « GROOVE »

Bonjour à toutes et à tous !

 

Je tenais à vous parler à nouveau du « groove » dans le jeu d’un batteur pour 2 raisons :

 

Groove Batterie FSB stephane burlot

 

1. La première, c’est que le groove est pour moi indispensable dans le jeu d’un batteur et cela ne demande pas forcement une technique énorme.

 

2. La deuxième c’est qu’après avoir fait mon article «Comment travailler sa dynamique et ses nuances » cliquez ici pour lire cet article  je voulais revenir sur le groove car la dynamique, les nuances et les accents sont des outils indispensables pour faire groover  un rythme.

 

Avec tous ces batteurs de très haut niveau plus ou moins reconnu que l’on peut voir un peu partout, nous avons souvent tendance à penser que le « groove » est forcement associé à un niveau technique de batterie SUPER élevé.

 

Heureusement ce n’est pas le cas, il est nécessaire d’acquérir un minimum de technique et d’ indépendance certes, mais le plus important est d’être à l’aise derrière son instrument et de maîtriser le peu de techniques que nous avons au moment ou nous jouons.

 

La première chose est dans le mental, notre cerveau est complexe et peut parfois nous jouer des tours, par le stress, l’anxiété, la peur de faire mal les choses  et je sais de quoi je parle ! 

 

Bon nombre de fois je suis resté tétanisé et pas qu’ en jouant de la batterie, paralysé  mentalement  à en oublier les choses les plus basiques et évidentes.

Pour tout vous dire cela m’arrive encore malgrès mon age, certe avec le temps cela s’estompe mais lorsque vous êtes confrontés à un évènement inhabituel, cela peut devenir très délicat et pénible.

 

Donc lorsque l’on est derrière son instrument, la première chose à faire est de se décomplexer concernant son niveau de batterie et de son âge aussi, que l’on soit jeune ou moins jeune, il faut bien débuter la batterie.

Il y aura toujours des batteurs plus fort techniquement que vous, mais il y aura aussi des batteurs avec un niveau inférieur au votre,  quelque soit le  niveau de batterie que nous avons, nous méritons tous, le plus grand respect.

 

Le choix de jouer de  la batterie avec toutes ces contraintes, le bruit, le coût, le transport de son instrument qui est largement compensé par la passion et le bonheur que cela apporte mérite le respect. 

 

J’attire votre attention :  Je ne dénigre SURTOUT pas les autres instruments de musique, tous les musiciens méritent tout autant le respect, mais là, vous l’aurez compris, je parle pour les batteurs.

 

Ce que je veux dire, c’est que même un débutant mérite le respect. Ce n’est pas l’exclusivité de musiciens de haut niveau qui biensûr le méritent eux aussi.

Mais tout le monde respecte déjà les plus grands batteurs, c’est acquis !

 

Quand j’ai débuté la batterie, je me souviens que j’étais très complexé lorsque je jouais devant des gens et plus particulièrement devant d’autres batteurs.

 

Il est arrivé qu’un autre batteur vienne jouer après moi, à ma place, celui ci avait un niveau bien supérieur au mien et cela ne faisait qu’amplifier mon complexe. 

 

Donc il est important que  chacun d’entre nous efface ce sentiment de complexe, quelque soit notre niveau de batterie, ou même notre âge. 

 

Oui, je sais c’est plus facile à dire qu’à faire mais pour progresser, il faut enlever au maximum les barrières. 

 

En jouant un maximum en groupe, devant des gens lors d’un concert ou d’une répétition (devant vos amis ou de la famille), cela nous permet de prendre de l’assurance et d’atténuer notre complexe par rapport au niveau que nous voudrions avoir.

 

Donc n’hésitez pas à faire des répétitions avec un petit public de proches dès que vous le pouvez, cela vous mettra en conditions et vous préparera pour les concerts qui suivront.

Plus nous jouons et moins nous sommes complexés. En même temps, nous sommes  plus conscient de nos limites, ce qui est très constructif dans notre progression.

 

Ensuite plus nous maîtrisons les nuances, les accents  et les Ghost-notes, plus nous avons les outils pour l’interprétation et le groove.

 

Si nous prenons un rythme simple et basique comme celui ci : 

 

 

GROOVE basique png1

 

En ajoutant dans notre jeu, ne serait-ce qu’une ou deux  ghost-notes ou accent, cela peut faire balancer le rythme et le faire « groover »  . Il y a bien sur d’autres éléments qui peuvent nous permettre de  faire swinger un beat, mais celui-ci est très simple et ne demande pas une technique de haute voltige, LOL !!! 🙂

 

voici le fichier audio

La première est jouée 2 fois puis la deuxième est enchaînée 2 fois également, biensût joué par un vrai batteur serait nettement plus groove

 

Attention cela demande quand même du travail mais reste accessible à tous avec un peu de persévérance. 

 

Et c’est donc la continuité de l’article que j’ai écrit récemment  « Comment travailler Sa dynamique et ses nuances » que j’ai décidé de revenir sur le groove avec cet article car l’objectif du travail des nuances, des accents et des ghost-notes est de nous apprendre à interpréter et donc  à faire «Groover un rythme» .

 

Donc pour résumer, il faut se décomplexer et travailler sérieusement notre dynamique pour nous donner la possibilité d’atteindre cet objectif  et tout ça, avec notre propre niveau même s’il n’est pas comme nous l’aurions souhaité.

 

En complément de cet article vous pouvez lire si vous ne l’avez pas déjà fait un premier article que j’avais écrit il y a quelque temps en cliquant ici «4 astuces pour faire Groover un rythme» 

 

Laissez en commentaire pour nous dire quel est votre principal problème pour faire Groover un rythme.

 

Une fois de plus j’espère vous avoir aider dans votre démarche de vous améliorer à la batterie.

 

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Christophe #FSB

 

 

 

 

 

 

 

 

5 Astuces pour Apprendre la batterie

Bonjour à toutes et à tous !

 

Aujourd’hui je vais vous donner 5 astuces qui m’aurait bien servit pour apprendre la batterie lorsque j’ai commencé à  jouer de notre fabuleux instrument.

 

 

5astuces batteur FSB

 

 

N’ayant pas eu de parents musiciens ni même mélomanes, à l’époque il a fallut que je me débrouille pour apprendre à jouer. 

Les professeurs ne courraient pas les rues à l’endroit  où j’habitais (à la campagne profonde), « Internet » était un mot inconnu au bataillon, le peu de professeurs qui existaient, étaient assez loin de chez moi et en plus un cours de batterie avait un coût que je ne pouvais pas assumer.

 

Donc j’ai remonté mes manches, pris mes baguettes en mains, ouvert grand mes oreilles, et en avant !!!

 

Malgré une motivation à 200%, j’ai accumulé les mauvaises habitudes, les défauts et je me suis perdu dans ce qu’il fallait travailler et surtout dans quel ordre il fallait apprendre la batterie.

 

Si javais eu à ce moment là mes connaissances actuelles, cela maurait évité de perdre autant de temps pour l’apprentissage.

C’est pour cela, qu’il me tient à coeur de partager avec vous,  mes 5 astuces qui je l’espère vous feront gagner un temps précieux pour vous améliorer à la batterie.

 

Et ainsi vous pourrez vous dire…

 

YES ! j’ai ‘info, je le sais et ça change tout !  🙂

 

Fini les « Si j’avais su …. »  :/

 

Cela vous permettra de corriger tout de suite vos défauts et évitera de prendre de mauvaises habitudes. C’est d’ailleurs le but de mon blog de manière générale.

 

Voici donc mes 5 astuces de bases que je vais vous dévoiler :

 

 

1 er Astuce : 

 

Bien installer votre batterie, la disposer correctement, en fonction de votre taille, avoir une bonne position, les genoux légèrement plus bas que le bassin (le fémur doit être légèrement penché en avant) et les coudes un peu plus haut que la caisse claire pour limiter les efforts.

 

Il faut également rendre les accès aux futs et aux cymbales faciles et rapides. Pour résumer, il faut être à l’aise derrière son instrument et diminuer un maximum les efforts inutiles. Cela vous évitera les tendinites également. 

 

2° Astuce :

 

Travailler avec un métronome dès le début, et si ce n’est pas le cas, faites le immédiatement.

 

Cela vous permettra de vous familiariser avec ce click, qui au départ peut vous gêner mais après lorsque vous vous y êtes habitué, fini la galère, puis surtout vous commencerez  à acquérir un bon tempo, stable et régulier, c’est la base !

 

Pour le choix du métronome, vous pouvez aller voir cet article, en cliquant ici  qui vous aidera, je l’espère dans votre démarche.

 

3° Astuce :

 

Prévoir le plus souvent possible  avant toutes séances de batterie, un échauffement en travaillant des rudiments (roulé, frisé ,moulins …etc), vous pouvez intégrer un ostinato (GC + pédale charleston). Voici 2 articles ou je préconise des exercices ces d’échauffement type que j’utilise.  Cliquez ici  —  ou bien ici

 

Cette séance d’échauffement doit durer entre 15 et 30 minutes si c’est quotidien, mais cela peut durer plus pour une séance réservée au travail des poignets, doigtés, c’est à dire pour une séance purement technique et parfois rébarbatif mais souvent nécessaire.

 

4° Astuce : 

 

Jouer, jouer, jouer encore et encore, un maximum en groupe et également sur des séquences ou sur des playbacks. Cela vous permettra la pratique du « live »  qui est  la meilleure école qui soit.

 

L’avantage, c’est que cette partie est la plus plaisante, la plus FUN, alors il ne faut pas s’en priver, mais rappelez-vous, bosser une trentaine de minutes les rudiments, et exercices divers (indépendance, technique…) avant, est SUPER importante.

 

5 ° et dernière astuce :

 

IL faut IMPERATIVEMENT vous ENREGISTRER, en audio voir même en vidéo.

 

Actuellement avec la nouvelle technologie, tout le monde peut faire une vidéo avec son smartphone. Donc une fois que vous pensez maitriser à peu de chose près, enregistrez vous en vidéo (principalement les bras et la caisse claire).

 

Il ne s’agit pas de faire une vidéo pro et top mais d’un enregistrement rapide et sommaire, le but est de regarder et de vous écouter.

 

Cela vous permettra de vérifier si vous le maitrisez vraiment et de voir vos défauts. Car bien souvent nous ne sommes pas objectif quand nous jouons et de se retrouver comme spectateur de soi même peut vous révéler soit une maitrise complète, partielle ou un problème que vous n’aviez pas détecté en jouant.

 

Il ne faut  surtout pas se sous estimer ou se faire de mauvaises critiques non constructives et inutiles, mais bien au contraire, de voir nos défauts et donc de les corriger immédiatement, afin d’avoir de bons résultats rapidement.

 

Je vous conseille vraiment de le faire ! C’est super enrichissant, même si vous êtes septique.

 

 

 

Et en BONUS, pour finir un dernier conseil que je pourrais vous donner c’est :

 

FAITES VOUS PLAISIR !!!!

 

Mais ça je vous fait confiance ! 😉

 

Laissez nous un commentaire pour nous dire depuis quand vous jouez et si vous avez une ligne de conduite bien précise pour travailler et jouer de la batterie, que vous soyez débutant ou non, cela nous intéresse et souvenez vous que votre expérience peut servir au plus novice, alors n’hésitez pas à commenter ! 😉

 

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Christophe #FSB.

 
Recherches utilisées pour trouver cet article :se rendre à toi la vidéo danémone la batterie

La partition batterie du mois « I shot the Sheriff » Bob Marley

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Bonjour à toutes et à tous voici mon relevé de partition batterie de Bob MARLEY « I shot the Sheriff »  Bob Marley FSB batteur   Voici un titre typiquement reggae avec un jeu de grosse caisse complètement inversé puisqu’elle appuie la caisse claire. Vous pourrez constatez qu’il n’y a quasiment pas de coup de grosse caisse sur le temps 1 et 3 contrairement à d’habitude. Avec quelques variantes en cross stick et grosse caisse.

 

Comme d’habitude je vous ai mis la trame rythmique de base ainsi que les mises en place, concernant les variantes, j’ ai retranscrit les 2 ou 3 principales variantes, après une fois que vous les avez capté, vous pouvez les placer un peu ou vous le souhaitez, cela cause ses déséquilibres, un peu difficile à comprendre au départ mais après cela donne un coté très intéressant.

Voici le fichier audio de la partition

Je tiens à vous signaler que si vous le souhaitez vous pouvez me demander un titre à retranscrire en partition batterie en me laissant un commentaire, et n’hésitez surtout pas, rappelez vous que cela me fera plaisir ! 😉  

Si ce relevé t’as plu, alors Like le et Partage le avec tes ami(e)s. 🙂  

Christophe #FSB  

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Comment travailler Sa dynamique et ses nuances

bonjour à toutes et à tous !

 

Aujourd’hui je vais vous parler de la dynamique et des nuances.

C’est quelque chose d’hyper important dans le jeu d’un batteur.

Jorge Correa FSB batteur feeling 1

 

Il est  primordial pour ne pas ressembler à une machine de type séquenceur ou boite à rythmes, car ce n’est évidemment pas ce que nous cherchons à faire, mais il faut pour autant beaucoup travailler sur un métronome et maîtriser notre débit et niveau de notes.

Il n’y a rien de pire que de jouer, soit  tout le temps très fort, soit tout le temps très doucement.

 

L’intérêt de maîtriser sa puissance de frappe et de nuancer (accentuation là ou on le souhaite), c’est se donner les bons outils pour un jeu plus fluide et plus souple.

 

Dans cet article je vais partager avec vous ce que j’ai mis et mets encore en oeuvre pour essayer de mieux maîtriser les nuances et plus particulièrement celle de ma main gauche (Ma main faible).

 

Bon nombre de fois avec plus moins de fatigue ma main faible était à la rue en terme de rapidité mais aussi en terme de régularité, niveau de frappe inférieur et irrégulier comparer à ma main droite.

 

Alors la première chose que j’ai mis en place et de tous redescendre au niveau volume, de jouer à un niveau plus faible pour pouvoir accentuer certains coups.

 

Prenons l’exemple du deuxième exercices du travail de la main faible de mon précédent article «2 Exercices pour dérouiller sa main faible » , si vous ne l’avez pas lu, je vous conseille d’aller le lire tout de suite avant de continuer plus loin dans celui ci, en cliquant ici

 

Si vous lisez maintenant, c’est donc que vous avez lu mon article précédent « BRAVO » !!! 🙂

 

Prenez la partition N° 2 (2 exercices pour dérouiller sa main faible) :

Exercices N° 2 main faible + indépendance FSB

 

 

1° étape :

 

Une chose très importante c’est que dans un tout premier temps il faut travailler l’exercice choisit en levant bien les baguettes donc, pas question à ce moment là de jouer doucement, il faut d’abord  bien assimiler les doigtés et être le plus régulier possible et ensuite je passe à la suite. 

 

2° étape :

 

Je choisit un tempo lent puis je me force à le jouer doucement au niveau du volume sonore dans un premier temps sans accent en essayant de jouer tous les coups au même niveau et le plus régulièrement possible.

 

Bizarrement c’est un peu  l’inverse du but final. 

 

3° étape :

 

Il faut jouer les accents à des endroits choisit et bien précis mais  surtout pas au hasard.`

Il ne faut rien précipiter et reprendre à un tempo plus lent et ne passer au tempo suivant que si vous passer très bien votre exercice choisit.

 

Exercices N° 2 main faible + indépendance+accents 1 1

 

 

Le but est le suivant :

 

Nous humains sommes très instinctifs, sensibles. La complexité de notre corps, fait de nous sommes une machine extrêmement sophistiquée et en même temps plein de défauts ce qui fait tout son charme d’ailleurs.

 

Il est pour nous si naturel de jouer avec des niveaux si différents mais  cela peut devenir difficile d’écouter et à apprécier si nous ne maîtrisons pas un minimum notre jeu.

 

Donc l’intérêt c’est de maîtriser nos coups que ce soit en rapidité aussi bien qu’en régularité mais aussi en terme de volume sonore pour tout simplement donner les impulsions, les accentuations et créer la dynamique dans notre jeu.

 

C’est en tout cas ce que je cherche à faire et je peux vous dire que j’ai du boulot et je ne pense pas être le seul.

 

Car une fois que l’on joue en conditions de groupe, l’instinct et l’excitation reprend le dessus et le fait d’avoir bosser cette dynamique, ses nuances, nous permettra de bien mieux maîtriser et donc d’avoir une meilleure dynamique de notre jeu et en plus cela deviendra naturel.

 

Vous pouvez appliquer cette façon de travailler à nimporte quel exercice. Une fois que vous maîtriser le doigté, vous pouvez le retravailler à un volume sonore plus faible puis rajouter des accents bien précis et bien définit.

 

Vous pouvez le travailler avec un ostinato de grosse caisse + charleston ou sans, mais avec cela vous aidera à travailler en plus l’indépendance.

 

Je travaille ce type d’exercice environ 15 à 30 minutes, après je passe à autre chose, généralement quelque chose de plus instinctif et naturel.

 

J’espère vous avoir aidé à travers cet article et surtout, laissez en commentaire pour me dire quel type d’exercice vous travailler le plus régulièrement.

 

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Christophe #FSB

 

 

 

 

 

2 EXERCICES pour dérouiller sa Main Faible

  Bonjour à toutes et à tous ! Aujourd’hui je vais vous parler d’un problème que j’ai moi même en ce moment. Dérouiller, débloquer, améliorer ma main faible qui est la gauche pour moi, puisque je suis droitier.  

 

Par christina Tosy FSB

                                                 Photo par Christina Tosi

Depuis maintenant trois mois j’ai emménager dans mon nouveau logement comme vous le savez peut être déjà, mais ce que je ne vous ai pas dit, c’est que depuis le mois de mars je ne joue pratiquement plus.

Effectivement j’ai depuis plusieurs mois des tendinites à mes deux mains et plus particulièrement  ma main droite mais ma main gauche n’a pas été épargnée non plus. Ce n’est pas en jouant de la batterie qui m’a déclenché ses douleurs mais  lorsque j’ai effectué des travaux l’année dernière dans mon ancien logement.

J’ai malheureusement beaucoup trop forcé sur mes bras et mes poignets, conclusion : Tendinites et douleurs permanentes, à un tel point que je n’arrivait pas à jouer plus de 20 Minutes, des douleurs très difficiles à supporter.

J’au donc fait une pause forcée de plusieurs mois, en plus de mes soucis informatiques et de mon déménagement dont je vous ai déjà parlé, ce qui correspondait donc à « mon inactivité sur mon blog » que vous avez dû constaté. Je suis allé voir un ostéopathe pour tenter de solutionner mon problème, puis je reprend petit à petit la batterie. 

En recommençant à jouer je me suis rendu compte que ma main gauche (ma main faible) était complètement à la rue.

J’ai toujours eu ma main gauche plus faible et beaucoup moins endurante que la droite, mais là c’est une catastrophe. J’ai donc décider de re-bosser ma main faible et de partager avec vous les 2 exercices que j’ai sélectionnés pour remettre à niveau ma main gauche.

Et je vais même dans un deuxième temps faire un TUTO #8 à ce sujet. Si comme moi, votre main faible est 3 ou 4 fois moins performante que votre main droite pour un droitier ou votre main gauche pour un gaucher, ma solution ? Et bien ! Travailler 3 plus sa main faible. Voici donc le premier exercice : Il s’agit de jouer tout simplement les croches  sur un cycle de  quatre mesures, je joue ma main faible pendant trois mesures et ma main droite la quatrième mesure pour me reposer ma main gauche (faible).

Je joue bien entendu sur un métronome commençant lentement 100 ppm à la noire. Vous pouvez commencer plus lentement bien sûr, mais rappelez vous que nous ne jouons que des croches et non des doubles croches. Ceci dit vous pouvez jouer les doubles croches, commencez alors à la moitié du tempo, c’est à dire à 50 ppm à la noire.

Par contre je rajoute systématiquement une petite  difficulté : Jouer un ostinato  à la grosse caisse et pédale charleston, très simple et si vous le souhaitez vous pourrez ensuite jouer un ostinato plus compliqué qui demande un effort supplémentaire  et vous permettra d’acquérirérir en, même temps un travail d’indépendance pieds et mains.

Mais rappelez vous, il ne faut pas aller trop vite et le but premier de cet exercice, c’est la main faible, l’ostinato est juste là pour garder un équilibre dans le rythme et une mise en place sur le tempo, il rajoute également un coté un peu plus « FUN »  🙂

Voici donc la partition  de ce premier exercice :    

EXERCIE N° 1 MAIN FAIBLE 1 FSB Voici lie fichier audio du 1 er exercice 

Pour info, il est indiqué un tempo de 100 ppm à la noire, c’est le tempo que j’ai pris au départ, mais vous pouvez tout à fait le prendre plus lentement et l’intérêt est d’augmenter la vitesse au fur et à mesure et d’aller le plus vite possible mais toujours régulier. Actuellement je vais jusqu’à 160 BPM en jouant les croches. Si vous jouez les doubles croches le tempo sera deux plus lent c’est le tempo de départ à 50 BPM et je vais donc jusqu’à 80 BPM. Voici le même exercice en double-croches :   EXERCIE N° 1 bis MAIN FAIBLE double croches FSB   Deuxième exercice : Pour ce deuxième exercice cela intègre  la coordination, non seulement de nos deux mains mais aussi de nos deux pieds en rajoutant un ostinato. Pour ma part je rajoute toujours le même ostinato , le plus simple, pour une bonne raison, c’est que j’alterne entre du binaire et du ternaire. Je joue donc  la grosse caisse sur le temps 1 et 3 et le charleston au pied sur le temps 2 et 4.

 

Suite à un problème technique,vous pouvez télécharger GRATUITEMENT l’exercice N°2 en cliquant ici

 

Voici le fichier audio du 2° exercice

 

Après si vous maîtrisez vraiment bien cet exercice, vous pouvez éventuellement adapter l’ostinato en binaire sur la partie binaire et en ternaire sur la partie ternaire, mais là cela devient plus compliqué.

Pour l’instant, je travaille sur le premier ostinato qui même s’il est simple, demande une concentration et le but est de remettre à niveau ma main faible.  

Comme je vous l’ai dit un peu plus tôt dans cet article, je vais mettre en ligne prochainement un Tuto sur ces 2 exercices.

En espérant vous avoir aidé un peu,  à bientôt et amusez vous bien !

 

Si cet article vous plu, alors Likez le et partagez le avec vos ami(e)s 😉

 

Christophe #FSB

Recherches utilisées pour trouver cet article :2 main be, exercice pourmuscler samain

Mieux comprendre la fabrication d’une batterie pour Mieux CHOISIR

Bonjour à toutes et à tous !  

Aujourd’hui je vais vous parler de batterie et de caisse claire et notamment, les principales essences de bois utilisées, leurs conceptions  et ce qu’elles  apportent en terme de sonorité.   Batt CFI DRUMS FSB   Le but de cet article est de comprendre, comment notre instrument peut être fabriqué, et avec qu’elle type de bois afin de pouvoir mieux choisir sa batterie et/ou sa caisse claire.

Cela peut vous permettre de réduire le choix parmi une quantité « hallucinante »  de marques et de modèles différents. Je pense et j’espère qu’après avoir Lucet article, vous pourrez ciblez plus précisément le choix de votre instrument qui répondra au mieux à vos attentes.

Je ne vais pas parler de tous les bois qui sont utilisés car mon article serait beaucoup trop long mais des principaux bois que l’on trouve dans la fabrication de la batterie et pour mieux comprendre je vais séparer mon article en 2 parties :

  1. Le type de conception et de fabrication (assemblage, collage,massif…),ainsi que des essences de bois utilisées
  2. L’accastillage (coquilles, déclencheurs, cercles et tirants…)

  Voici donc pour commencer :

  1. Le type de conception et de fabrication (assemblage, collage,massif…)
Pour résumer il y 3 procédés de collage et qui sont étroitement liés  aux types de bois utilisés, qui eux mêmes sont catégories en 3 duretés et densités d’essences de bois.
 
Je vais peut être schématiser mais je ne suis vraiment pas loin de la vérité en vous disant que ces 3 types de bois se trouvent sur 3 continents différents :

 Le COLLAGE multi plis et cintré 

 

Le continent « Américain »  avec son ERABLE :

 
Parlons d’abord de l’érable que l’on trouve principalement aux Etats Unis et au Canada.
En plus du fait de la très forte influence que l’Amérique à sur nous dans beaucoup de domaine et plus précisément dans la musique, l’érable est un bois très complet qui développe pas mal de médium, il est donc adapté à la musique moderne et puissante.
C’est un bois souple et dense, il est reconnaissable par sa couleur de bois clair et très lisse.
Il faut savoir que lorsqu’il est utilisées pour une batterie avec un procédé de collage en multi plis, il est très souvent collé comme un contre plaqué en asymétrie (c’est à dire que le sens de la fibre du bois est un coup dans un sens un  coup dans l’autre) pour une raison de solidité et de sonorité.
Vous pourrez constater parfois un renfort de chanfrein comme par exemple les vieilles « GRETSCH », le but de ce renfort est pour la solidité du fût et éviter ainsi les déformations (les épaisseurs varient entre  0,5 cm voir même moins parfois), utilisé également sur des marques plus modernes comme « par exemple « AYOTTE Custom drums » , mais pas que…
 
Étant donné que c’est le bois et le procédé de fabrication le plus répandu il faut dans tous les cas,  être vigilant sur plusieurs choses :
 
  1.  Regardez à l’intérieur du fût à l’endroit ou touche la peau (le chanfrein) que le plis du bois soit un peu plus clair se qui signifie que la fibre du bois est dans le même sens que la peau, c’est à dire horizontal (une batterie de qualité sera très souvent dans ce sens) essentiel pour une bonne résonance entre la peau et le fut.
  2. Vérifier que le fût soit le plus naturel possible car les vernis et traitement du bois altère la sonorité, ainsi que les colles utilisées (les colles modernes deviennent très dur en séchant ce qui permet de réduire leur influence sur le son. Cela n’empêche pas qu’une bonne vielle GRETCH, Ludwig, ou autre batterie des années 50, 60 ou 70 sonnent comme aucune autre car les fûts vieillissent et le son se bonifie (c’est un peu comme une bonne vieille bouteille de vin 😉
  3. Toujours en regardant le chanfrein, il faut regarder la qualité et l’inclinaison de ce dernier (la plupart du temps vous trouverez un chanfrein à 45° sur les batteries récentes et arrondie pour les anciennes). A l’époque ce qui était recherché c’était plutôt de réduire les médiums pour développer les harmonique basses (d’ou les fûts fin et chanfrein arrondie). Maintenant avec la qualité des colles et la précisions des machines vous trouverez tout type de chanfrein dès que vous optez sur du haut de gamme (type Pearl MASTERWORKS, DW, NOBLE and COLEY, …etc).
  4. Pour la profondeur des futs, plus un Tom sera long, plus il développera des harmoniques, donc si vous avez du mal à régler vos toms, je vous conseille alors des futs plutôt court. La profondeur apporte de la puissance, à l’image des années 70 et 80 ou la mode était aux futs longs car la musique ROCK de ses années là demandait beaucoup de  décibels, d’autant plus que les systèmes de sonorisation étaient loin d’être au point comparé à aujourd’hui. 

 

Passons au continent Européen avec « le BOULEAU » 

Le bouleau est assez proche de l’érable, même couleur, il est légèrement plus poreux (moins lisse), il développe des harmoniques et fréquences  plus basses. Le Bouleau utilisé dans la fabrication de batterie provient plutôt d’Europe du nord, des pays Scandinave.
Du fait que ce bois développe des harmoniques assez basse, on le trouve plutôt sur une épaisseur un peu plus conséquente que l’érable. (Entre 0,80 cm et 1 cm). Le but étant de développer  les fréquences médiums et compenser la présence des fréquences basses déjà très présentes.
Tout comme l’érable il faut être vigilant sur les  4 points précédemment cités ci dessus :
  1. Vérifier le sens de la fibre de bois du  pli qui est en contact avec la peau (plus clair, sens de la fibre horizontal)
  2. Un fut le plus naturel possible (qualité de la colle et minimum de vernis et produits divers).
  3. La forme et le type de chanfrein (plutôt 45° pour le bouleau notamment pour les   futs de petites tailles 8 »,10 »,12 », 13 »)
  4. La profondeur des toms, j’ai plutôt tendance à vous conseiller des futs court du type  :         
                        –  diamètre 8  x 6 ou 7 de prof                                                                                                                     
                        –  diamètre 10 x 7 ou 8 de prof
                        –  diamètre 12 x 8  de prof.
                        –  diamètre 13 x 8 ou 9 d prof
 
Pour résumé le fut en multi plis de bouleau, il sera préférable choisir des futs plus épais que l’érable à partir de 0,80 cm voir plus surtout en caisse claire et toms aigu pour mettre en avant les harmoniques médiums pour un équilibre du sons car le bouleau donnera un son assez grave. Bien sur la peau et le réglage à son importance mais rappelez que c’est pour vous aider à choisir quel type de bois donne quel son. Pour les futs plus gros (Tom bas et grosse caisse) le Bouleau est tout à fait adapté à l’harmonique qu’a besoin ce  type de futs grave (donc là il n’est pas aussi important d’être pointilleux sur l’épaisseur et la profondeur et le type de chanfrein.
 
Pour finir le continent Africain avec « L’ACAJOU » .
 
Quand je parle de l’ACAJOU, je parle d’acajou africain, pas celui des Philippines ou autre pays hors du continent Africain, qui n’est ni plus ni moins qu’un bois utilisé pour des raisons économiques et non pour des raisons de qualités sonores alors que l’acajou d’Afrique est un bois haut de gamme.
 Vous le reconnaitrez il est d’un rouge très foncé, très dur si dur qu’il revient cher à la fabrication et c’est pour cela que vous en  trouverez difficilement. Il développe des fréquences encore plus graves que le bouleau, il est vraiment très bien adapté aux toms bas et grosse caisse mais n’est pas très optimal pour les noms aigus 8, 10, 12,13.
 
D’ailleurs Pearl a  une série de batterie sur mesure, le modèle « MASTERWORKS » qui donnez le choix à l’acheteur  le type de bois, l’épaisseur des futs, le type de chanfrein et préconise sur les toms bas un mélange de bouleau et acajou et 100% d’acajou sur la grosse caisse.
Mais la rareté de ce bois dans la fabrication de la batterie, fera que je ne vais pas en parler d’avantage, malgrès la qualité de ce noble bois qu’est l’Acajou.
 
Pour résumer pour ce type de fabrication (contreplaqué puis cintré), on distingue deux essences principales ERABLE médium en harmoniques, puissant avec à mon avis et suivant mes goûts  un choix sur des futs de faible épaisseur et court quand au   BOULEAU, j’opterais sur des futs avec une épaisseur un peu plus conséquente toujours court pour une facilité de réglage, le son sera plutôt un peu plus grave et plus rond alors que l’érable développera plus de médium, plus claquant et puissant.
 
Après vous trouverez souvent de bois précieux (noyer, chêne, Padouk, palissandre, et j’en passe) qui sont dans ce type de fabrication, collé sur la dernière couche de bois, à l’extérieur du fut, c’est pour une question d’esthétique et de finition, plus que de son, car une seule couche à l’extérieur n’a que de très faible influence sonore, voir parfois aucune.
 
Donc pour moi ce choix de bois précieux à l’extérieur n’est qu’une question de finition, de look.
 

Le Lamellé Collé

 
Voici maintenant un procédé de fabrication plutôt utilisé dans la fabrication de percussions comme les congas , les bongos, et autres percussions Afro Cubaine, Africaine et Latine.
De plus en plus utilisé en batterie et plus particulièrement pour la fabrication de caisse claire, il est un procédé utilisé très souvent par beaucoup d’artisans dans le monde entier.
Le principe  fabrication est, des lattes épaisses de bois massif de haute qualité et un peu  toutes densités. Beaucoup de bois peuvent être travaillés de cette manière là, je vais donc vous mettre en avant, les différentes essences de bois que l’on trouve dans ce type de fabrication et ce qu’elles amènent en terme de sonorité.
Pour comprendre le procédé de fabrication regardez cette vidéo en cliquant ici.
 
Chaque continent ayant ses propres essences de bois je vais les séparer en 3 sous groupes, Europe Amérique et Afrique.
Cela ne veut pas dire que on ne trouvera pas de bois des continents Asiatique ou Océanique, mais pour les batteries de qualité dit « haut de gamme » , nous trouverons principalement des bois Américains, Européens ou Africains.
 

Les bois Européens :

 
Le frêne, le chêne, l’Hêtre, le Noyer … etc sont des bois que l’on trouve en Europe mais pas que. Pour ce que  l’on trouvent en Europe, ils sont au départ utilisés dans les fabrications de percussions (type, congas, bongos … etc). Du coup cette fabrication plutôt artisanale est utilisé pour la conception de caisse claire mais aussi plus rarement de batterie entière.
 
Je ne saurais pas vraiment dire la différence entre ses 3 bois en terme de sonorité, par contre ce procédé de fabrication amène de la puissance et de la précision, ces lattes de bois étant très denses et très dures, elle peuvent parfois manquer de basse fréquences. C’est pour cela qu’il est parfois préférable de les équiper d’accastillage et notamment de cercles emboutis et non de cercles moulés.
 
Les cercles moulés étant plus lourd apportent également beaucoup de fréquences aigus, alors que les cercles emboutis développent plutôt des fréquences médiums et favorisent le coté dit « chaleur » du son d’une caisse claire.
 
Pour bien comprendre comment c’est fait, imaginez un tonneau de vin, ce sont des lattes de bois qui sont cerclés.
Les cercles de metal permettent le maintient des lattes et elles ne sont pas collés pour éviter que le colle est une influence quelconque sur le vieillissement du vin.
Ce procédé de fabrication utilisé entre autre par la marque DELAPORTE qui d’ailleurs fabriquait  à l’époque (maintenant, je ne sais pas s’il continue) aussi des tonneaux de vin et également des congas de renommés. 
 
Mais pour les percussions et les batteries, il est préférable aussi bien en terme de sonorité et de conception, que les lattes soient collées et non cerclées.
 

Les bois Américains :

 
On retrouve le Chêne qui est un peu plus foncé que sont cousin Européen, le Frêne lui est plus plus claire et moins denses que le chêne, on retrouve également un peu les même type de bois qu’en Europe et aussi l’érable dans ce procédé de fabrication mais reste assez rare pour ce dernier.
D’ailleurs on trouve plutôt ce type de fabrication artisanale au nord de l’Amérique c’est à dire le Canada et certainement en Amérique du sud. Aux Etats Unis, il est nettement plus répandu  le multiplie en Erable et le principe de fabrication en lamellé collé,; lui,  reste assez rare, cela ne veut pas qu’il n’y en en pas, bien sur.
 
Les Américains doivent, c’est certains, avoir une quantité d’ artisans que l’on est loin de se douter, mais malheureusement il ne sont pas aussi bien distribués que les dites « Grandes Marques » et  je ne les connais malheureusement pas, c’est pour cela que je ne peux pas en parler.
 
Pour le peut que je connaissent cela reste assez proche en terme de sonorité au type et essences de bois Européens cités juste avant.
 
Une petite parenthèse pour une fabrication très rare que j’ai croisé sur les marques  «  Gretsch » « DW » « Pearl » et j’en oublie certainement que l’on retrouve Principalement sur les caisses claire.
C’est le bois d’érable massif et cintré c’est à dire une seule pièce de bois Cckerable massif FSB d’une épaisseur de 5 à 8 mm cintré et collé de manière à former le fut. Cela donne une sonorité pour moi exceptionnelle, un son chaud, avec des fréquences en même temps aigus et graves. Le peu de caisses claire que j’ai essayé sur ce type de fabrication, ont toujours sonnés « de fou »  , un son comme j’aime, un peu comme un tambour de l’époque mais avec l’attaque d’une bonne caisse claire bien moderne, c’est assez étrange mais Génial.
 

Les bois Africains :

 
Pour les bois Africains ont trouve l’ACAJOU, le WENGE, le PALISSANDRE, le BUBINGA, et plein d’autres que je ne pourrais pas citer.
Une chose est sur, c’est que ce sont des bois que l’on dit  « bois rouge » couleur à l’image de l’acajou et sont très denses, résistent à l’humidité, et en terme de sonorité ces bois sont dans des fréquences plutôt basses.
 
Très utilisés en Europe notamment par la marque « SONOR » il est intéressant lorsqu’ils sont mélangés dans ce procédé de fabrication avec les bois Européens ou Américains comme le chêne, le Frêne ou l’Hêtre. 
Ces bois Africains apportent les fréquences basses  et compensent les fréquences aigus et médiums présentes dans les bois occidentaux, ce qui amène de la chaleur et des basses sur une caisse claire au départ puissante et claquante.
 
 
 

Caisse claire CFI DRUMS FSB

Voici un exemple de caisse claire sur ce procédé de fabrication avec ce fameux mélange entre un bois occidental comme le chêne et le « Wengé » bois Africain qui amènera cette chaleur si agréable sur une caisse claire, enfin , à mon avis 🙂  !!!  
Conception d’un artisan Belge « CFI DRUMS »  , à découvrir !
 
 
Dans ce procédé de fabrication le mélange d’essence de bois est très utile et intéressant pour obtenir des sonorités différentes, très variées et très riches.
 
 
 L’accastillage (coquilles, déclencheurs, cercles et tirants…)
 
Pour cette partie, je vais vous dire quel type d’accastillage il existe , ce qu’il apporte, et ce que je conseille comme accastillage en fonction des futs choisit, car il y a certes, la qualité de l’accastillage mais aussi le choix subtil du type de fabrication des cercles et coquilles qui soient adaptés au type de fabrication des futs.
 
Pour les cercles, il y a dans un premier temps les cercles emboutis, le principe c’est une sorte de tige plate en acier chauffé et embouti pour avoir la forme que nous connaissons. Il est assez léger et donc développe un peu moins d’harmonique aigu adapté au son de caisses claire en  «cross stick » (jeu de la baguette sur le cercle en gardant posé la paume de la main et la baguette sur la peau).
Voici une vidéo ou il y a un jeu en « Cross stick », pour les débutants et novices.

 
 
 Ensuite, il y a les cercles les moulés, c’est de l’acier totalement liquéfier à très haute température puis coulé dans un moule. Cela va donner un cercle beaucoup plus lourd que le précédent cercle embouti.
 
Il va apporter beaucoup d’harmonique aigu et de puissance. Ce type de cercle est adapté à des caisses claires qui ont un son déjà bien chaud et plutôt médiums:basse comme le bouleau ou l’acajou mais peut être très intéressante aussi avec l’érable surtout si le fut est de faible épaisseur (exemple du 4 plis d’érable avec renfort de chanfrein).
Il apporte un tranchant, une attaque et une précision  très adapté aux musiques puissantes.
 
Pour terminer les cercles, il y a les plus rares que sont les cercles en bois. Ils sont de plus en plus fréquents mais restent tout de même les plus rares, pour la simple et bonne raison c’est qu’ils sont plus couteux, car la conception est compliqué pour être résistant et ne pas être aussi fragile que les vieux cercles de tambours de la vieille époque. 
 
Ils n’apportent que très peu voir pratiquement pas d’harmonique aigu, donc ils permettre d’apporter ce son typiquement tambour. Donc si vous chercher un son tranchant, puissant et plutôt aigu , ce type de cercle n’est pas adapté.
A l’inverse vous cherchez un son à l’ancienne très bas , grave et vous ne jouez que très peu en « Rim Shot », alors là oui c’est adapté.
 
Pour ce qui est des coquilles, ce sont principalement des coquilles moulées que vous trouverez mais avec différentes qualités d’alliages. Malheureusement il est difficile de repérer cette qualité. On peut parfois se donner une idée lorsque nous prenons en main la coquille et en fonction de son poids supposer qu’elle sera de bonne qualité, mais c’est pas aussi simple.
Une autre astuce lorsque vous vissez le tirants dans la cheminé de la coquille il ne faut pas de jeu entre les deux et il faut sentir une certaine souplesse et pas de résistance comme si c’était grippé (rouillé).
 
Les tirants en acier sont extrêmement fréquent et si parfois vous trouvez des tirants en acier inoxydable c’est un plus, car vous aurez un régularité dans le serrage, ce qui évitera les résistances ou blocages irréguliers qui nous trompent dans notre réglage. 
 
Pour les caisses claires, il y a les déclencheurs et attaches timbres. Sur ce sujet les avis peuvent être très différents et très variés en fonction de  chacun d’entre nous. C’est beaucoup plus personnel comme choix.
La seule chose que je puisse vous conseiller c’est de rester vigilants et d’avoir plusieurs réglages du timbre sur plusieurs niveaux car certains déclencheurs sont soit enclenchés soit déclenchés, sans réglages intermédiaires. Cela limite les sonorités, certes on peut jouer avec la molette (donc vérifier la qualité de celle ci) mais un préréglage intermédiaire est bien pratique.
 
CONCLUSION
 
Dans tous les cas pour choisir sa batterie ou sa caisse claire, il est indispensable non seulement de l’essayer dans de bonnes conditions (ce qui n’est faisable que dans certains magasins ou auprès de particuliers) mais aussi de regarder à l’intérieur des futs, et ne pas hésiter à tester les serrages pour observer la qualité des tirants,des coquilles, attaches et déclencheurs.
 
Il faut que ça soit souple mais sans jeu, sans vibration. Si vous constatez un tirants qui force plus qu’un autre cela peut être rectifier en mettant un peu de graisse, mais si les tirants ou les coquilles sont de médiocres qualité le problème deviendra récurrent. Et si la batterie vous plait beaucoup, vous pourrez éventuellement changer les coquilles mais cela un cout.
 
Heureusement de manière générale, lorsque vous vous orientez  sur des batteries d’une certaine qualité, les coquilles, les tirants et autre accastillage sont également de qualité, mais c’est tout de même a vérifier.
 
Lorsque vous choisissez une batterie de qualité inférieur, car votre budget ne le permet pas, alors il faut être vigilant sur l’accastillage en plus de la finition et fabrication des futs, le type de chanfrein, ainsi que du type de bois.
 
Voici 2 vidéos pour mieux comprendre les 2 types de fabrication d’une batterie, très différentes l’une de l’autre et pourtant Tout aussi passionnante 

Voici également quelques liens de fabricant artisanaux de batterie Français mais aussi du monde 🙂
 
 
Nous pouvons trouver des batteries qui sonnent très bien sans aller dans le haut de gamme, car le jeu du batteur à une importance énorme, il faudra juste, un plus rechercher et bidouiller pour obtenir un réglage idéal de sa batterie et donc avoir le meilleur son possible.
 
J’espère que cela vous aidera dans la recherche et le choix de votre futur batterie. 
 
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Christophe #FSB
 
 
 
 
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